Побывать в Париже и не заглянуть в Лувр — просто преступление. Это вам любой турист скажет. Но если вы заранее не подготовились, то рискуете затеряться среди толпы людей с камерами, планшетами и смартфонами и упустить то самое главное, ради чего весь мир стремится в крупнейший парижский музей. Лувр огромен и прекрасен. Насладиться всеми его экспонатами даже за один день не получится — их более 300 000. Чтобы не получить эстетический шок от перенасыщения прекрасным, приходится делать выбор…
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи
«Джоконда» кисти Леонардо да Винчи — главный экспонат Лувра. Все указатели музея ведут именно к этой картине. Огромное количество людей ежедневно приходит в Лувр, чтобы своими глазами взглянуть на завораживающую улыбку «Моны Лизы». Нигде, кроме Лувра, увидеть ее нельзя. Из-за плохого состояния картины, руководство музея объявило, что больше не будет отдавать ее на выставки.
Степень охраны картины беспрецедентная
«Мона Лиза», возможно, не была бы так популярна и всемирно известна, если бы в 1911 году ее не похитил работник Лувра. Картину нашли только спустя 2 года, когда вор пытался ее продать в Италии. Все это время, пока шло следствие, «Мона Лиза» не сходила с обложек газет и журналов всего мира, став объектом копирования и поклонения.
Сегодня «Мона Лиза» спрятана за пуленепробиваемым стеклом, толпу туристов сдерживают заграждения. Интерес к одному из самых известных и загадочных произведений живописи в мире не угасает.
Оборотная сторона картины. Увидеть ее невозможно, и именно поэтому в СМИ постоянно циркулируют сплетни о каком-то тайном послании художника миру и человечеству, якобы, написаннном на обороте «Моны Лизы».
Наверное, это все знают, но на всякий случай. Эту картину называют и «Мона Лиза», и «Джоконда». Почему? Мона Лиза — сокращение от Мадонна Лиза. Джоконда — потому, что фамилия женщины была Джиокондо. Эта двадцатичетырехлетняя женщина была третьей женой флорентийского богача по имени Франческо ди Бартоломее дель Джиокондо.
Венера Милосская
Вторая звезда Лувра — статуя богини любви Афродиты из белого мрамора. Знаменитый античный идеал красоты, созданный за 120 лет до н. э. Рост богини — 164 см, пропорции — 86×69×93.
По одной из версий, руки богини были утрачены в момент конфликта между французами, которые хотели отвезти ее в свою страну, и турками — владельцами острова, где она была обнаружена. Эксперты уверяют, что руки статуи были отбиты задолго до ее обнаружения. Однако местные жители островов Эгейского моря верят в другую красивую легенду.
Один знаменитый скульптор искал модель для создания статуи богини Венеры. До него дошел слух о женщине необычайной красоты с острова Милос. Художник помчался туда, отыскал красавицу и без памяти влюбился в нее. Получив согласие, он принялся за работу.
В день, когда шедевр был почти готов, не в силах больше сдерживать страсть, скульптор и модель бросились в объятия друг к другу. Девушка так сильно прижимала к груди скульптора, что тот задохнулся и умер. А скульптура так и осталась без обеих рук.
«Плот «Медузы» Теодор Жерико
Сегодня картина Теодора Жерико является одной из жемчужин музея. Хотя после смерти художника в 1824 году представители Лувра не готовы были заплатить за нее достойную сумму, и картину приобрел на аукционе близкий друг художника.
При жизни автора полотно вызывало возмущение и негодование: как посмел художник использовать столь большой формат не для принятого в те времена героического или религиозного сюжета, а для изображения реального события.
В основе сюжета картины лежит происшествие, случившееся 2 июля 1816 года у берегов Сенегала. Фрегат «Медуза» потерпел крушение, и 140 человек попытались спастись на плоту. Лишь 15 из них остались в живых и спустя 12 дней были подобраны бригом «Аргус». Подробности плавания выживших — убийства, людоедство — потрясли общество и обернулись скандалом.
Жерико соединил в одной картине надежду и отчаяние, живых и мертвых. Прежде чем изобразить последних, художник делал многочисленные этюды умирающих в больницах и трупов казненных. «Плот „Медузы“» стал последним из законченных произведений Жерико.
Ника Самофракийская
Еще одна гордость музея — мраморная скульптура богини победы. Исследователи считают, что неизвестный скульптор создал Нику во II веке до н.э в знак греческих морских побед.
У скульптуры отсутствуют голова и руки, а правое крыло является реконструкцией, гипсовой копией левого крыла. Неоднократно пытались восстановить и руки статуи, но безуспешно — все они портили шедевр. Статуя теряла ощущение полета и стремительности, неудержимого стремления вперед.
Первоначально Ника стояла на отвесной скале над морем, а ее пьедестал изображал нос боевого корабля. Сегодня статуя расположилась на втором этаже Лувра на лестнице Дару галереи Денон и видна издалека.
«Коронация Наполеона» Жак Луи Давид
Ценители искусства едут в Лувр, чтобы вживую увидеть монументальные картины французского художника Жака Луи Давида «Клятва Горациев», «Смерть Марата» и грандиозное полотно, запечатлевшее коронацию Наполеона.
Полное название картины — «Посвящение императора Наполеона I и коронование императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года». Давид выбрал момент, когда Наполеон коронует Жозефину, а папа Пий VII дает ему свое благословение.
Картина была создана по заказу самого Наполеона I, который хотел, чтобы на ней все выглядело лучше, чем было на самом деле. Поэтому он попросил Давида изобразить в самом центре картины свою мать, которой не было на коронации, себя сделать чуть выше, а Жозефину — чуть моложе.
«Амур и Психея» Антонио Канова
Существует две версии скульптуры. В Лувре хранится первая версия, подаренная музею в 1800 году мужем сестры Наполеона Иоахимом Мюратом. Вторая, более поздняя версия, находится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Ее подарил музею князь Юсупов, который приобрел шедевр в Риме в 1796 году.
<
Скульптура изображает бога Купидона в момент пробуждения Психеи от его поцелуя. В каталоге Лувра скульптурная группа названа «Психея, разбуженная поцелуем Амура». На создание шедевра итальянского скульптора Антонио Канова вдохновили древнегреческие мифы о боге любви Амуре и Психее, которую греки считали олицетворением человеческой души.
Этот шедевр воплощения чувственности в мраморе несомненно стоит оценить вживую.
«Большая одалиска» Жана Энгра
Энгр писал «Большую одалиску» для сестры Наполеона Каролины Мюрат. Но картина так и не была принята заказчицей.
Сегодня она является одним из ценнейших экспонатов Лувра, несмотря на очевидные анатомические погрешности. У одалиски три лишних позвонка, правая рука неправдоподобно длинная, а левая нога вывернута под невозможным углом. Когда картина появилась в салоне в 1819 году, один из критиков писал, что в «Одалиске» нет «ни костей, ни мускулов, ни крови, ни жизни, ни рельефа».
Энгр всегда без колебаний и сожалений утрировал черты своих моделей, чтобы подчеркнуть выразительность и художественную ценность картины. И сегодня это никого не смущает. «Большая одалиска» считается самым известным и значительным произведением мастера.
«Рабы» Микеланджело
В числе самых ценных экспонатов Лувра две скульптуры Микеланджело: знаменитые «Восставший раб» и «Умирающий раб». Они были созданы в период с 1513 по 1519 г. для надгробия папы Юлия II, но так и не вошли в окончательный вариант гробницы.
По задумке скульптора, всего статуй должно было быть шесть. Но работу над четырьмя из них Микеланджело не закончил. Сегодня они находятся в Галерее Академии во Флоренции.
Две законченные луврские статуи — это противопоставление сильного юноши, пытающегося разорвать путы, другому юноше, бессильно повисающему в них. Побежденные, связанные, умирающие люди у Микеланджело, тем не менее, как всегда удивительно прекрасны и сильны.
Статуя сидящего Рамзеса II
Лувр обладает одной из богатейших в мире коллекций египетских древностей. Шедевр древнеегипетской культуры, который нужно непременно увидеть своими глазами — это статуя знаменитого фараона Рамзеза II.
Оказавшись в зале египетских древностей, не пропустите также статую сидящего писца с удивительно живым выражением лица.
«Кружевница» Яна Вермеера
Картины Вермеера интересны тем, что в них исследователи находят доказательства того, что великие художники, начиная с эпохи Возрождения, пользовались оптикой для написания своих реалистичных картин.
В частности при создании «Кружевницы» Вермеер, предположительно, использовал камеру-обскуру. На картине можно увидеть много оптических эффектов, применяемых в фотографии, например: размытый передний план.
В Лувре также можно посмотреть картину Вермеера «Астроном». На ней изображен друг и посмертный распорядитель художника Антони ван Левенгук, ученый и микробиолог, уникальный мастер, создававший собственные микроскопы и линзы. По всей видимости, он и снабжал Вермеера оптикой, с помощью которой художник писал свои шедевры.
«Христос у столба», Антонелло да Мессина
Приобретена в коллекцию Лувра (1475-1479)
Приобретение этой картины позволило Лувру добавить к значительному собранию итальянской живописи необычайно волнующую работу, которую относят к последнему периоду деятельности сицилийского художника. Антонелло Мессина был новатором и непререкаемым авторитетом для живописцев эпохи Возрождения. Малые размеры шедевра (29,8 x 21 см) не соответствуют монументальной внушительности образа увенчанного терновым венцом Христа, обратившего взор к небу. Иконография восходит к евангельскому тексту «Се, человек», когда после бичевания и увенчания головы Христа терновым венцом его демонстрируют толпе.
Зритель смотрит снизу на откинутое назад лицо со следами слез и каплей крови, тенью от веревки и опирающийся на раму картины выступающий узел. Все это создает ощущение объема и реального присутствия, что невероятно для XV века.
«Мадонна Победы», Андреа Мантенья
Приобретена в коллекцию Лувра (1496)
Большую часть своей Андреа Мантенья из Падуи проработал, служа синьорам Мантуи, куда он переехал в 1461 г. Там он нашел идеальные условия для развития своей кристально чистой, черпавшей вдохновение из античности живописи. Причиной создания этой картины, которая находится в Лувре с 1798 г., была победа Франческо Гонзага (марких Мантуи и капитан антифранцузской лиги) в битве при Форново около Пармы. в результате алтарная картина была по обету подарена часовне Санта Мария Виттория. Голова покровителя города святого Андрея видна слева над одеянием Девы Марии. Трое святых ходатайствуют за маркиза.
Двоим из них — архангелу Михаилу с мечом и святому Георгию со сломанной пикой — было доверено поддерживать мантию Мадонны, под которой укрылся Франческо.
«Прекрасная садовница», Рафаэль
Картина из коллекции Франциска I (1507)
Один из самых знаменитых шедевров Лувра получил название «Прекрасная садовница» благодаря цветущей красоте женской фигуры посреди луга. К тому же это одна из самых известных Мадонн Рафаэля, написанных в его первый флорентийский период (1504-1508), когда начинающий художник из Урбино во всю старался отойти от манеры своего учителя Перуджино и найти собственный стиль. Вдохновляли его работы Леонардо да Винчи, Микеланджело и Фра Бартоломео. В частности в этой картине заметно влияние Леонардо (это заметно в легком сфумато цветного построения).
Но уже отчетливо прослеживается и стиль самого Рафаэля — спокойное очарование и безмятежность, которые впоследствии станут «фирменными».
Главный вклад художника в эпоху итальянского Возрождения — это естественность, душевность и невероятная гармония. Эта картина, подписанная и датированная самим Рафаэлем, стала одним из образцов для художников вплоть до XIX века.
«Сельский концерт», Тициан
Картина из коллекции Людовика XIV (1510)
Вокруг этой картины долго шли споры, авторство приписывалось и Тициану, и Джорджоне. Большая часть специалистов склоняется к тому, что это все-таки работа Тициана — ученика Джорджоне. Больше всего поражает атмосфера всей сцены, ностальгическое напоминание об Аркадии и отсыл к венецианскому Возрождению. Кажется, что между персонажами нет диалога или обмена взглядами. Вся сценка будто предназначена для узкого круга посвященных и ценителей. От Джорджоне тут очарование пейзажа, слияние музыки, шелеста крон и травы воедино. Но зато от Тициана уверенное владение перспективой, бархат и шелк на контрасте с обнаженной натурой. Сам же «концерт» — это скорее «дуэт», лютня и флейта.
«Меняла с женой», Квинтен Массейс
Приобретена в коллекцию Лувра (1514)
Эта работа датирована художником, и 1514 г. — это начало целой вехи в истории светской живописи. В основе огромного количества повторений этого сюжета лежит утерянный прототип Яна Ван Эйка. На картине Квинтена Массейса изображена супружеская пара, занятая делами. Однако глубокий нравственный смысл нетрудно прочесть. Муж внимательно смотрит на весы. Женщина, положив руку на молитвенник, с трепетом человека, осознающего, что в торговле нет ничего божественного, смотрит на мужа. Хитрость торговца сопоставляется с покорностью вере.
Контраст между духовным и материальным подчеркивается мелкими деталями: в выпуклом зеркале на столе (мотив Ван Эйка) отражается сидящий у оконной рамы в форме креста человек. Специалисты утверждают, что это намек на религию. При этом два персонажа в дверях праздно болтают, «оскверняя» божественную атмосферу.
«Брак в Кане», Паоло Веронезе
Приобретена в коллекцию Лувра (1562-1564)
Сверкающее полотно, предназначенное для трапезной бенедиктинского монастыря Сан Джорджо Маджоре в Венеции, — плод сценографического воображения Паоло Веронезе, создателя декоративной живописи. Один из самых известных шедевров Лувра был отреставрирован в начале XXI века, но из-за гигантских размеров (660 x 990 см) делали это прямо на месте, не вынося картину из зала музея. Как и в других композициях, Веронезе преобразовал религиозную сцену в светский праздник, в котором принимают участие огромное количество жителей Венеции XVI века.
Слуги, шуты, животные, ценная утварь, вышитые камчатные скатерти — все это заключено в светлые и открытые архитектурные формы на фоне венецианских зданий. Большая часть из них это постройки Андреа Палладио в классическом стиле.
«Святой Людовик Французский и его паж», Эль Греко
Подарена Лувру меценатом (1586-1596)
Картину относят к наиболее зрелому периоду творчества художника (по происхождению грека), когда живописное и стилистическое мастерство, приобретенное им в Италии, слилось в его живописи с формальными, позднеготическими приемами, с которыми он познакомился в Толедо. К этому моменту Эль Греко достиг того уровня в своем творчестве, который определяется как «антинатуралистическая» концепция. Если человеческим языком, то «сверхъестественная», когда в жанре портрета образу придается глубочайшее духовное значение. Естественное такого результата ни за что не достичь, если соблюдать законы геометрии и пропорции.
Но когда дело касается королей нарушение законов живописи и перспективы оправдано: на огромное плечо и вытянутую руку Эль Греко перенес центр тяжести всей фигуры. Правитель могуч, а паж на его фоне невесом и почти бесплотен. Легко догадаться, какое впечатление Людовик производит на зрителя.
«Прибытие Марии Медичи в Марсель», Питер Пауэл Рубенс
Картина из коллекции Людовика XIV (1622-1625)
Это одна из цикла картин на историко-аллегорические сюжеты из жизни Марии Медичи (всего их двадцать одна), заказанных королевой Франции для Люксембургского дворца. В годы правления Наполеона полотна были вывезены из дворца, так как туда переезжал Сенат, и помещены сразу в Лувре, где для них с 1900 г. оборудован целый зал. Изображая прибытие молодой королевы, Рубенс четко разделил полотно на две зоны. Верх, смещенный в глубину, заполнен декоративными деталями, на нем выделяется группа придворных дам и подданных, чьи размеренные жесты делают статичной эту часть композиции. Внизу, на переднем плане, — группа морских божеств. Это свойственное Рубенсу пиршество сочных форм, охваченных единым порывом.
«Портрет доньи Риты де Барренечеа», Франсиско Гойя
Дар Карлоса де Бейстегуи (1793)
Одна из немногих работ Гойи в собрании Лувра была написана уже после болезни художника, в следствии которой он потерял слух. Начиная с 1780 г. Франсиско Гойя становится модным портретистом в среде мадридских аристократов. Когда художник писал этот портрет, он использовал давно опробованные им приемы. Но тем очевиднее рука испанского мастера. Портретируемая стоит в строгом одеянии, единственный намек на роскошь — розовый бант в волосах. Манера исполнения — одна из самых элегантных в XVIII веке. Картина написана в период творческой зрелости художника и считается одной из лучших работ Гойи в спокойной стороне его живописи.
Другую сторону творчества — изображение нечеловеческих страданий, жестокости, несчастий и несправедливости мира — пока оставим за кадром.
«Свобода, ведущая народ», Эжен Делакруа
Приобретена в коллекцию Лувра (1830)
Картина «Свобода, ведущая народ» знаменита тем, что была первым уходом от романтизма античности в политику и отражение суровой действительности. Сюжет ее отражает события 1830 г., которые привели к изгнанию Карла X и возникновению парламентской монархии Луи-Филиппа. Целью восстания парижан было восстановление республики, но результата в полной мере добиться не удалось. Делакруа участия в очередной революции в Париже не принимал. Но был либералом и примыкал к движению романтиков, поэтому не постеснялся изобразить на картине себя — мужская фигура в цилиндре с ружьем в руках.
У аллегории Свободы в руках трехцветное знамя, а за ней следует толпа вооруженных людей, которых можно разглядеть в клубах дыма. Высокая патетика и передний план, занятый изображениями погибших, создают эффект театральности. Реализм, с которым выписаны персонажи, отражают искреннюю и страстную натуру художника.
Свежие комментарии