«Красный Ленин»

Картина «Красный Ленин» входит в список, так называемых, икон поп-арта. После пристального внимания к знаменитостям своего времени, Энди Уорхол переключился на видных политиков. Неудивительно, что Ленин, который в начале века поднял на дыбы 1/6 части суши планеты, Российскую империю, перевернув государственный строй, попал в поле зрения Уорхола. Это одна из последних работ мастера.

Разумеется, искусство Урхола очень специфично, но нельзя не заметить – автор очень остро и точно уловил суть портретируемого. Русскоязычный зритель особенно это чувствует. Лицо Ильича выглядит как икона – именно такой Ленин ещё недавно смотрел со страниц всех учебников. Это идеализированный портрет в стиле Уорхола. Портрет-икона, некая формула, штамп.

Автор оставил лишь самое главное: вытянутое лицо, строгий взгляд, сжатые губы. Человек максимально собран, погружён в себя и какие-то важные мысли. Фон также выбран неслучайно. Огненный красный фон, как символ красной революции. Хотя сегодня задний план воспринимается более драматично – как кровь, в которой большевики буквально утопили страну, устраняя инакомыслие и любую оппозицию. Красный фон – это красный террор во всей своей трагичной истории.

Энди Уорхол, который был не чужд философии, словно приглашает нас подумать, словно вступает в диалог со зрителем - что первично, политика или искусство, как тонка грань от знаменитости до упадка и забвения.

Произведение создано в привычной для мастера манере. Сначала путём засвечивания создавалось изображение-матрица. Сетка пропитывалась фотоэмульсией, и на неё накладывался диапозитив, который засвечивался как при фотопечати. На тех местах сетки, что были освещены, фотоэмульсия принимала вид прочной полимеризованной плёнки. Лишние элементы удаляли водой. Полученную матрицу накладывали на ткань и наносили краску, которая, проникая сквозь прозрачные участки, и создавала искомое изображение.

Представленная картина в своё время принадлежала Борису Березовскому, одному из самых противоречивых личностей, который разбогател в период распада советского государства. И в этом, пожалуй, особенная ирония! Однако ещё до своей смерти олигарх решил продать картину. С аукциона «Кристис» это произведение ушло за внушительную сумму – 202 тысячи долларов (по другим данным за 166 тыс.), хотя торги стартовали с более скромной цифры в 45 тысяч. Новым владельцем работы стал отнюдь не музей, а снова частный коллекционер. Примечательно, что более мрачный вариант картины «Чёрный Ленин» ушёл дешевле – за 110 тысяч.

«Восемь Элвисов»

В картине Энди Уорхола «Восемь Элвисов» нашли своё отражение не только интерес мастера к выдающемуся человеку своего времени, но и достаточно глубокий философский подтекст.

Произведение представляет собой многократное изображение самого успешного в коммерческом смысле певца XX века Элвиса Пресли. Каждый последующий отпечаток наслаивается на предыдущий, постепенно «собираясь» к правой части работы, где изображения находятся, фактически, одно на одном. Представленная работа не столько позволяет нам вспомнить об известном певце с выразительным вокалом, сколько уносит в метафизические размышления (зная о том, как закончил жизнь знаменитый красавец) – монотонность и пресыщенность одинаковыми образами и клише, страх смерти, бренность существования, забвение и роль даже самых выдающихся деятелей в контексте «сжимающегося» линейного времени.

Картина выполнена в любимом цвете автора – серебряном, в привычной для него авторской технике, позволяющей любой свой шедевр многократно копировать. Кто сказал, что искусство должно быть уникальным? Уорхол разрушал стереотипы, превратив свою работу, в некотором роде, в фабричный подряд с множеством подмастерье, которые тиражировали придуманную мастером идею, образ, идол.

Для своей работы Уорхол взял кадр из фильма, где снимался его герой - Flaming Star. В первоначальном варианте Элвисов было 16, позже автор оставил лишь 8, попутно создав ещё несколько аналогичных работ - «двойной» и «тройной» Элвис.

С самого начала создания, «Восемь Элвисов» окутывал некий ареол таинственности. Вначале работа принадлежала известному коллекционеру Аннибале Берлинджери, который никогда, не смотря на просьбы, не предоставлял картину к какой бы то ни было выставке.

В 2009 году разразилась сенсация, шокировав публику - журнал «Экономист» написал о тайной сделке, проведённой год назад при посредничестве арт-дилера Philippe Segalot, бывшего сотрудника элитного аукциона «Кристис», по которой «Восемь Элвисов» перешла в руки другого частного коллекционера за рекордные 100 млн. долларов. Кто является владельцем картины сегодня неизвестно.

Господин Берлинджери, которому 40 лет принадлежали «Элвисы», ни даёт никаких комментариев о том, кому он продал одну из самых известных работ Уорхола. Местонахождение работы до сих пор неизвестно и вряд ли в ближайшее время публика сможет её увидеть.

Лишь в 2013 году ценовой рекорд был побит другой картиной Уорхола. За его «Серебряную автокатастрофу» (1963) было выложено на 5 млн. больше. Безумный мастер и после смерти куёт безумные деньги!

«Банан»

Сегодня «Банан» Энди Уорхола стал одним из самых узнаваемых образов в мировой культуре и торговле. Реалистичное изображение спелого банана с характерными потемнениями на кожуре можно встретить как в отдельных репродукциях, так и в виде элемента дизайна какой-либо вещи: майке, подушке, брелке. Современные фотографы и художники также используют популярный образ, как элемент своих работ.

Энди Уорхол создал свой знаменитый «Банан» в 1967 году. В то время он продюсировал группу Velvet Underground, поэтому неудивительно, что основоположник поп-арта захотел внести свою лепту в создание дебютного альбома своих подопечных. Для первого альбома The Velvet Underground and Nico Уорхол разработал обложку – «Банан». Изображение яркого жёлтого фрукта было снабжено подписью: «Peel slowly and see», что переводится как «Медленно снимай кожуру и смотри».

Примечательно, что на дисках первых трёх тиражах жёлтый банан был наклеен. Следуя за подсказкой (Медленно снимай кожуру и смотри), обладатель снимал жёлтую кожуру-наклейку с диска и видел точно такой же по форме банан, но розового цвета. Выглядело это очень вызывающе и фривольно.

Впрочем, и сами композиции на диске были посвящены, главным образам, теме секса, мазохизма и прочим извращениям. Впоследствии, банан стал некой эмблемой группы, которая всегда присутствовала на новых альбомах Velvet Underground. Сегодня обложка первого альбома скандальной группы считается самой узнаваемой среди дисков всех времён.

В этом и заключается феномен Уорхола – простой обычный образ он превратил в узнаваемый символ, используя при этом самую простую и понятную форму. Просто банан. Очень настоящий и конкретный. Удачный «дебют» фрукта (в качестве вызывающей обложки диска не менее вызывающей группы) закрепил за образом особенный подтекст и стал предметом многочисленного тиражирования.

«Бирюзовая Мэрилин Монро»

Кажется, что от основоположника так называемого бизнес-арта не ускользнула ни одна значимая фигура его времени. Поэтому неудивительно, что однажды в его поле зрение попала неподражаемая Норма Джин Бейкер, известная всему миру как Мэрилин Монро. Здесь сошлось всё – красивая женщина (хотя женщины Уорхола мало интересовали), необычная судьба, её связь с сильнейшими мира сего и самоубийство. Автор испытывал болезненный интерес к теме смерти, особенно на закате своего творчества.

Монро вошла в список «7 женщин Уорхола» (ещё Элизабет Тейлор, Лайза Миннелли, Жаклин Кеннеди, Дебби Харри, Брижит Бардо, Елизавета II), которым тот посвятил свои работы.

Актриса при жизни стала иконой, женщиной-богиней, мечтой всех мужчин. Уорхоллу осталось лишь перенести её образ на полотна. Именно полотна, потому что, благодаря уникальной технике, все произведения мастера многократно тиражировались. Тем самым, Энди Уорхолл перевернул представление о произведении искусства – теперь полотна могут технически воспроизводиться много раз, не теряя своей художественной ценности. Впрочем, споры на этот счёт до сих пор не стихают.

Сегодня эта работа воспринимается противоречиво, так как современный зритель знает какой сложный характер, подвижная психика, сколько неудовлетворённых простых человеческих потребностей скрываются за яркой маской всемирной красавицы, а по сему, восхищаясь, непременно вспоминает о трагической развязке.

Зритель видит перед собой женщину, но не в её реальном облике, а как собственно икону: идол современности должен оставаться идолом и на полотне. Все свои портреты знаменитостей Уорхол тщательно обрабатывал, лишая всех маломальских недостатков. Герой времени должен быть прекрасен, вот и с представленной работы на нас глядит идеальная Мэрилин.

Автор подчеркнул легендарные волосы блондинки ярким жёлтым цветом, томный взгляд из-под опущенных век стал более выразительным благодаря длинным ресницам и ярко-голубым теням, страстный, даже хищный рот очерчен тёмно-красной помадой. Белоснежные зубы, говорящие о телесной раскованности, и знаменитая порочная родинка довершают знакомый образ. Сам Уорхол говорил, что хотел подчеркнуть сексуальность и раскрепощённость своей героини.

Образ, как некое клише, готовое лекало, оказался настолько удачным и знаковым, что вскоре его окрестили весьма громкими именами – «Джоконда XX века» и даже «Дева Мария XX века». Впоследствии Энди Уорхол создал масштабный диптих, посвящённый Мэрилин Монро. Но это уже случилось после её загадочной смерти.

«Зебра»

Шелкография «Зебра» входит в цикл картин «Вымирающие виды», созданный Энди Уорхолом в 1983 году. Серию картин у художника, открывшего миру поп-арт, заказали известные защитники животных и владельцы галереи Рональд и Фрейда Фельдман. Также можно встретить другое название цикла - «Животные в гриме». В серии 10 изображений редчайших животных, существование которых на планете находится под угрозой. Кроме Зебры Греви, Уорхол изобразил орангутанга, чёрного носорога, амурского тигра, африканского слона и др. Зебра Греви - самый редкий вид зебр, популяция которых сокращается ежегодно, а в некоторых ареалах обитания истреблена вовсе.

На полотне мы видим большую голову зебры Греви, повёрнутую к зрителю. Техника мастера осталась неизменной, а вот стилевая подача «позднего» Уорхола претерпела некоторые нововведения. Изображения стали сочнее, красочнее, контрастные цвета перемежевываются с тонкими, достаточно нежными линиями. Вот и представленная работа очень броская и контрастная. Чёрно-красная голова зебры обведена тонкими жёлтыми линиями, такими же линиями продублированы полоски на морде животного. Картина получилась очень динамичной и прямо-таки притягивающей внимание зрителя.

Что касается техники, то автор привычно использует своё ноу-хау, изобретённое ещё в начале творческого пути и навеянного экспериментами с камерой обскура. Уорхол накладывал диапозитив на нейлоновую сетку, до этого смоченную фотоэмульсией. Получалась плёнка, которую можно было использовать несколько раз. Таким путём созданы почти все произведения художника и цикл «Вымирающие виды» не исключение.

Буквально два месяца назад цикл картин привозили на выставку в Москву. Экспозиция была размещена в Дарвиновском музее и закончила работать несколько дней назад. Мероприятие было приурочено к году экологии в России.

«Зелёные бутылки кока-колы»

Свой творческий путь Энди Уорхол начал как рекламный оформитель – он создал удачную рекламу обувной компании. Но настоящий поворот в его творческих представлениях совершили вот эти зелёные бутылки «Кока-Колы», созданные в 1962 году.

Уорхол вдруг сделал для себя удивительное открытие – предметом искусства может быть всё, что угодно. Зерном своей картины он сделал известный рекламный бренд. Более того, культуру массового потребления он возвёл до искусства. Тем самым, Уорхол сместил парадигмы восприятия эстетических ценностей – он сделал ставку на массовость, а не на элитарность, как это было до него. Его зритель не ищет свежий взгляд, новую палитру, технику, изысканные мазки – всё изображённое на картине просто и понятно. Так родилось направление поп-арт, иными словами популярное, все доступное и от того всем понятное искусство.

Сам художник неподдельно восхищался тем, что Америка, страна, в которой он жил, явилась прародительницей массового потребления - «Кока-Колу» пьёт и Лиз Тейлер, и сам президент, и обычный человек. Этот же принцип он переносил и на искусство: то, что понятно «высокому» зрителю, должно быть понятно и «простому смертному».

Все пьют Колу! Именно это фраза однажды ляжет в одну из грандиозных рекламных акций, проводимых компанией, которая выпускает напиток, на волне конкуренции с другим известным брендом, «Пэпси».

Между тем, стоит вспомнить, что изящные линии бутылки «Кока-Колы» вдохновляли некоторых художников и до Уорхола. В частности, «Кока-Колу» можно встретить на полотнах Сальвадора Дали и Марисоля Эскобара. Однако их «Кола» не стала каким-то символическим элементом культуры, в то время как картину Уорхола ставят в число тех картин, что стоят у истоков «поп-арта». Это некий символ поколения, символ послевоенной Америки.

К бутылке «Колы» Уорхол обращался не раз в своём творчестве, рисуя её то поодиночке, то группой в различных цветовых интерпретациях. Пожалуй, в этом есть некая ирония: бутылка «Кока-Колы», которая стоила во времена Уорхола около 10 центов, сегодня в изображении мастера уходит с молотка за десятки миллионов долларов. Такая «Кола» доступна далеко не всем, а лишь единицам, которые в подавляющем числе желают оставаться инкогнито!

Со временем, «Зелёные бутылки «Кока-Колы» стали фирменной визитной карточкой Уорхола, наряду с банками супа «Кэмпбелл», разноцветной Мерлин Монро и ровными рядами однодолларовых купюр.

«200 однодолларовых купюр»

Картины Уорхола порою очень сложно объяснить – не всегда понятно что это: чистой воды эпатаж и вызов обществу или зашифрованная философская мысль. С панно «200 однодолларовых купюр» всё вполне понятно. Сам художник не раз признавался в том, что больше всего на свете он любит деньги. Поэтому нет ничего странного, что он однажды решил свою страсть переместить на холст.

А было это так. Как-то раз Энди Уорхол попросил своих знакомых предложить какую-нибудь оригинальную тему для новой работы. «А что ты больше всего любишь?» - спросила одна из его подруг. Ответом на это вопрос и послужила новая работа основоположника стиля поп-арт.

Одна из центральных идей творчества художника – пропаганда, тиражирование массовых вещей общества. А что может быть более массовым для американца, чем однодолларовая купюра? Впрочем, и глубокую философскую тему в картине тоже можно легко отыскать. Картина, как объект, представляющий эстетическую ценность, принадлежащий к миру духовного, изображает деньги – то есть то, что можно отнести лишь к миру материального. Таким образом, Уорхол остроумно сопоставляет духовное и материальное.

В 2009 году уникальное панно было продано на знаменитых торгах «Сотбис». Покупатель, как водится загадочный аноним, отдал за это произведение Уорхола 43,8 млн. долларов, вписав таким образом картину в рейтинг самых дорогих произведений изобразительного искусства.

Такая внушительная сумма удивила не только обывателей и людей от искусства, но и самих аукционистов, знающих толк в выгодной реализации – они-то ставили на менее внушительную сумму в 12 млн. Похоже, Андрей Вархола (а так по-настоящему звали эпатажного Энди) был прав, утверждая, что искусство – это прибыль, особенно, если оно хорошо продаётся. Об этом и его картина!

«Банки с супом Кэмпбелл»

Банка супа «Кэмпбелл» - произведение, которое круто изменило жизнь Энди Уорхола. Наконец, к нему пришла слава, признание и в связи с этим материальный достаток. До тех пор художнику неустанно напоминали – коммерческие иллюстрации не имеют к высокому искусству никакого отношения, но Уорхол сломает этот стереотип, бросив вызов обществу.

История началась с отпуска. Художник решил сделать паузу, чтобы отдалиться от работы и придумать что-нибудь совершенно новое. Какие только эксперименты не проводил мастер – рисовал мультяшных персонажей, смешивал краски, оставлял на асфальте белые листы, чтобы прохожие оставляли на них отпечатки своих ботинок. Нужная идея пришла неожиданно – кто-то подсказал Уорхолу: нужно рисовать то, что любишь. Так появились знаменитые банки с супом. Художник признавался, что этот суп был его обедом в течение 20 лет. Стоит упомянуть, что банки нужны были не только ради содержимого, так как мать Уорхола Юлия, главная помощница будущего «короля поп-арта», увлекалась изготовлением цветов из жестяных банок, которые после продавала за небольшую цену.

И вот Уорхол отправляет Юлию в магазин, чтобы та купила все виды супов марки «Кэмпбелл», которые выпускались на тот момент брэндом. И художник принялся за работу, которая заняла целый год. Итогом стал цикл работ из 32 полотен, выполненных в технике шелкографии, каждая размером 51x41 см. 9 июля 1962 года в галерее Ferus (Лос-Анджелес) банки с супом были впервые представлены обществу и произвели ошеломительный эффект. Гости экспозиции говорили, что это простое по сути изображение заставило о многом задуматься – безликость массового потребления, пошлость и одинаковость, бездушие окружающих предметов. Уорхол мгновенно понял: он нашёл то, что искал, новую идею, новое направление, получившее название «поп-арт».

Далее творческая и общественная жизнь художника пошла гладко. Он много работал, выбирая самые неожиданные идеи, обращался к портретам известных личностей, а интерес к своему творчеству Уорхол неизменно подогревал скандальной репутацией – открыл студию-салон «Фабрика», менял любовников, снимал скандальные фильмы. Всё это обеспечило высокую стоимость всех работ, выпускаемых Уорхолом. Но самое удачное произведение, по мнению автора, было именно «Банки с супом Кэмпбелл».

Источник